20 главных шедевров Новой Третьяковки

1. Илья Машков. Фрукты на блюде, 1910

Илью Машкова сравнивали с Матиссом. Он входил в объединение художников «Бубновый валет», изобретавшее новую живопись. Им была важна не реалистичность изображения и точная передача светотеней, а изобретение собственных методов изображения. Эта картина Машкова выставлялась в Париже на Осеннем салоне 1910 года.

2. Наталья Гончарова. Феникс, 1911

Гончарова, одна из «амазонок авангарда», начинала свой живописный путь в стиле импрессионизма, потом увлеклась кубизмом и примитивизмом. Она часто использовала сказочных персонажей и народные мотивы в своем творчестве, также соединяла лубок и религиозную живопись, за что ее картины не раз подвергались цензуре и удалялись с выставок. 

3. Владимир Татлин. Натурщица, 1913

Этот художник более всего известен башней Татлина – проектом памятника III Интернационалу (1919–1920). Он был родоначальником советского конструктивизма. И до революции был ярким представителем русского авангарда. Его стиль сравнивали с Пикассо.

4. Василий Кандинский. Композиция VII, 1913

Весь смысл Кандинского в акценте на беспредметность, на выразительность линий и цветового пятна. Он считал, что абстрактная форма может выразить то, что недоступно традиционным приемам. Именно эта картина считается примером обретения художником творческой зрелости.

5. Марк Шагал. Над городом, 1914–1918

У Шагала был свой неповторимый творческий стиль с отсылками к модерну, в своих картинах он создавал неповторимый мир, сотканный из личных пристрастий и воспоминаний. На одной из самых известных своих картин он изобразил самого себя вместе с женой Беллой, летящими над родным городом Витебском.

6. Казимир Малевич. Черный супрематический квадрат, 1915

Одна из самых известных картин русской живописи и настоящий манифест авангарда. Сам Малевич определял свой стиль как супрематизм, по сути – кубизм, доведенный до высшей стадии отказа от предметности. На первой выставке, где появилась картина, ее повесили словно икону – в красном углу, что для Малевича было торжеством живописи. При ее создании он использовал множество красок, которые при смешении в итоге дали черный цвет.

Подробнее про «Черный квадрат» читайте тут.

7. Аристарх Лентулов. Звон. Колокольня Ивана Великого, 1915

Лентулов использует уникальный живописный метод, части его картины будто рассыпаются и снова собираются неким пазлом из множества мелких деталей. Он отходит от плоскости и перспективы, вольно пересекает разные части архитектурного изображения. Лентулов создает ощущение сказочности в своей картине, при этом в ней есть динамика словно от раскачивания колокола. 

8. Александр Дейнека. Перед спуском в шахту, 1925

Дейнека – певец рабочих, солдат и нового советского взгляда на мир и человека, и эта картина – попытка сформулировать типовой облик пролетария. Он использует графическую манеру в живописи, а угольный цвет подчеркивает тематику. 

9. Юрий Пименов. «Даешь тяжелую индустрию!», 1927

Еще один живописный гимн советским пролетариям написал Юрий Пименов. Он совместил несколько углов зрения: мускулистые рабочие тянут трос на первом плане, а чуть в отдалении толкают вагонетку. И все это на фоне металлических конструкций завода. Эта работа написана под влиянием немецких экспрессионистов. Позже Пименов станет образцом соцреализма, живописи понятной и доступной каждому. 

10. Павел Кузнецов. Пушбол, 1931

Кузнецов начинал с модерна, пастельных натюрмортов, ярких восточных сюжетов и религиозной живописи. Но в советское время стал обращаться и к темам, на которые был запрос – труда, промышленности, сельского хозяйства. Или, как в данном случае, спорта, который активно пропагандировали в СССР.

11. Юрий Пименов. Новая Москва, 1937

Работа – манифест жанра соцреализм (хотя в ней еще очевидно влияние импрессионизма). Художник прославляет социалистический строй и жизнь в новом советском государстве – и в новой (перестроенной Сталиным), советской Москве с ее широкими проспектами и монументальной архитектурой. 

12. Александр Дейнека. Будущие летчики, 1938

Беззаботные голые дети после купания сидят на солнце и внимательно следят за полетом гидроплана, обсуждая его траекторию и фантазируя, как они сами когда-то будут летать. Эта картина в жанре соцреализм – метафора прекрасного будущего. 

13. Виктор Попков. Строители Братска, 1960–1961

Попков – художник нового поколения, он уже дитя советского времени. Несмотря на то что эта послевоенная картина написана в период оттепели, «Строители Братска» – пример сурового стиля, характерного для советской живописи 1950–1960-х. На картине изображены строители Братской ГЭС (воспетые также в поэме Евгения Евтушенко 1965 года). 

14. Дмитрий Жилинский. Семья у моря, 1964

Жилинский – яркий художник, чья послевоенная живопись объединяет европейский Ренессанс и древнерусскую иконопись и пытается переложить ее на язык современности. 

15. Гелий Коржев. Мать, 1964–1967

«Мы – поколение, пронизанное войной. Часть из нас воевали, часть нет. Но мы все воспитывались в этой атмосфере», – говорил Коржев. Это еще один представитель сурового стиля, чьи картины довольно минималистичны с точки зрения выразительных средств, при этом остры и проникнуты драматизмом. 

16. Роберт Фальк. Красная мебель, 1920

Долгие годы Фальк был в творческой командировке в Париже и всю жизнь искал свой оригинальный язык, жонглируя кубизмом, импрессионизмом, экспрессионизмом. Он считался первым русским авангардистом, который в СССР не ударился в соцреализм, а остался мостиком к свободе и экспериментальной мысли. 

17. Павел Филонов. Композиция с шестью лицами, нач. 1930-х

Загадочный мастер русского авангарда, создавший множество собственных микромиров. На полотне головы словно просвечивают изнутри мира, составленного из частиц.

18. Франциско Инфанте-Арана. Динамическая спираль. Возрастающая энергия красного пространства, 1964

Сын испанского политэмигранта вдохновлялся Малевичем и Татлиным и создал свой абстрактный геометризм. У Инфанте-Араны есть целый цикл различных спиралей, которые можно отнести к оптическому искусству (оп-арт) – он создает такое изображение, которое заставляет совершать неосознанное движение. Считается, что он предвидел компьютерную живопись.

19. Иван Чуйков. Море. Полиптих. Левая нижняя часть, 1990

Московский концептуалист Чуйков особенно известен своими коллажами, а также пейзажами в «окнах» (некоторые были написаны прямо на настоящих оконных рамах). Главной идеей многих картин художника было «взломать» живопись – используя вроде бы традиционные средства, получить при этом концептуально новое произведение. Метод фрагментации, как в данной картине, один из его любимых приемов.

20. Михаил Рогинский. Красная дверь, 1965 (1994)

Михаил Рогинский – важный художник второй половины XX века, его даже называют отцом русского поп-арта. «Красная дверь» – одна из его самых знаковых работ. Написанная в 1965 году, она вызвала целую бурю эмоций у нескольких поколений зрителей. Это произведение искусства или это просто художник нарисовал дверь и выдал за произведение искусства? Сам Михаил Рогинский говорил: «Это не дверь – это энергия».